Libro de color

Este es el trabajo externo ligado a la asignatura.
Consiste en la realización de 72 armonías de color siguiendo el siguiente esquema:


Todas composiciones deben poseer un carácter común, estar relacionadas conceptualmente entre sí y cada una con la palabra escrita.
Decidí desarrollar mi trabajo bajo el título "Rhapsody", ya que una de las acepciones de esta palabra es "mezcla heterogénea", que es lo que es mi libro. Los 72 dibujos están inspirados en diferentes canciones, de varios estilos y épocas, de la música que yo escucho, e intentando ilustrar sus letras.

Examen (2/12/2016)

Realizamos el segundo examen de la asignatura. En este caso es una prueba teórica para poner a prueba los conocimientos adquiridos durante la asignatura.

Este examen se basa en la guía docente de la asignatura y posee dos partes: una primera consistente en explicar cómo hemos adquirido las destrezas básicas expuestas en la guía y una segunda en la que se expone el contenido de la asignatura. En esta segunda parte se desarrollaron los 6 bloques temáticos, exponiendo su parte teórica y su desarrollo práctico.

Vigésima clase (28/11/2016).

Tratamos el último bloque, referente a tamaño, formato y marco.

• Tamaño: dimensiones físicas del producto visual, es decir, su grado de ocupación física. Se deben tener en cuenta a la hora de escoger el tamaño adecuado factores como la sensación que se quiera evocar (las obras grandes impresionan, las pequeñas dan sensación de intimismo) o su adaptación a la ubicación.
• Formato: forma y orientación del producto visual. Generalmente el formato de los cuadros es rectangular, ya sea horizontal o vertical, pero puede ser circular, ovalado... Se deben tener en cuenta la adaptación del soporte, la facilidad de lectura visual o el contenido simbólico del soporte.
• Marco: Límite entre la pieza y el mundo. Tradicionalmente en los cuadros este era literalmente el cuadro del marco, pero muchas obras contemporáneas desafían ese límite.

Después, realizamos un recorrido por una selección de 100 artista contemporáneos, aquí algunos ejemplos: 

Daniel Canogar

Marcel Duchamp

Marina Abramovic

Sherrie Levine

Mariko Mori

Exposición: Julián Casado

Su obra trabaja con parámetros como la atmósfera (fenómenos entre aire y luz), el espacio (todo dentro del marco pictórico) y el color.

Cuadros pertenecientes a la "Serie Malevitch", 42 variaciones sobre una misma estructura

En este conjunto de obras, observamos como las variaciones cromáticas y de atmósfera hacen que el resultado sea visualmente opuesto en una misma estructura. Poseen un tamaño de 82x100 cm, realizadas en acrílico. 

Sobre el fondo de color oscuro, y con una estructura geométrica centrada en el interior del espacio pictórico como base, se desarrollan variaciones a partir del empleo de diferentes tonos, generalmente uno dentro de cada cuadro siendo más o menos saturado, produciendo diferentes brillos, sombras y espacios dentro de cada uno de los cuadros.

Encontramos también algunos ejemplos de otras obras del artista:

Máquina transfigurada

Homenaje a Paul Klee

Decimonovena clase (25/11/2016)

Esta clase tratamos la luz y la sombra desde el lenguaje artístico:

• Luz: posee gran significado desde el punto de vista lingüístico, pudiendo significar vida o esperanza (dar a luz, ver la luz al final del tunel, etc.). Uno de los hitos iniciales más importantes para el desarrollo humano es el control del fuego, luz que ilumina la oscuridad.           Desde el punto de vista artístico, poseemos dos tipos de iluminación:

Iluminación natural
Las meninas (Velázquez)

Iluminación artificial.
Eugenio Recuenco
Aunque intente dar la sensación de iluminación natural, en fotografía se suele emplear luz artificial en interior.

             La luz no solo sirve para mostrar los objetos, también puede ocultar, como en el caso de las sepias abisales.

• Sombra: lugar al que no llega la luz. Da volumen y textura, pero también puede engañar. Es curioso el tratamiento de la sombra, tan importante en el arte occidental y nulo en el oriental. Los seres sobrenaturales carecen de sombra.

Existen situaciones diferente según la cantidad de luz o sombra, existiendo la penumbra como espacio intermedio, el contraluz y la oscuridad.

Situamos el uso de la luz en el arte en diferentes etapas: 

Claudio de Lorena

Pintura en plein air impresionista. 
Signac.
Descompone la luz en diferentes colores.

Uso de la luz en sí para crear.
Dan Flavin

La segunda parte de la clase la dedicamos a visitar la exposición de Julián Casado, que comentaré en la siguiente entrada.

Decimoctava clase. (21/11/2016)

Esta vez, la clase se realiza en el plató de fotografía, realizando diferentes experimentos fotográficos con la luz. Estos consistirán en "dibujar con luz" en las cámaras, realizando cambios de luz y movimientos con largos tiempos de exposición. Esto produce que en la imagen se integren todos los elementos que hayan pasado, provocando evocadoras composiciones.

No son el resultado esperado, pero mi cámara tenía como tiempo límite de apertura 8", pero estas son algunas de las fotografías que tomé en la clase.

Modelo: Irene Riquelme

Modelo: Irene Riquelme

Modelo: Irene Riquelme

Modelo: Irene Riquelme

Modelo: Irene Riquelme

Modelo: Inés Martín

Modelo: Inés Martín

Modelo: Inés Martín

Modelo: Inés Martín

Exposición: Esuchar con los ojos. Arte Sonoro en España 1961 - 2016

Visita a la exposición ubicada en la Fundación Juan March. Realiza un recorrido por el arte sonoro en España, por lo que la exposición se compone de una serie de obras pictóricas, escultóricas e instalaciones, teniendo todas relación directa con el sonido o formando parte el sonido de la obra. Es una exposición muy interactiva, las salas están repletas de auriculares por los que escuchar diferentes obras. voy a destacar algunas obras.

En la exposición aparecen obras que juegan también con el lenguaje y la sonoridad, como la obra I. Varcárcel Medina "El libro transparente" y "El idioma transparente", en la que el artista crea palabras que se superponen en el libro transparente y se realiza una lectura simultánea por varias personas, superponiéndose diferentes palabras.

Otra interesante instalación es la obra de Mikel Arce "Wav"consistente en cuatro planchas metálicas llenas de agua que vibra componiendo formas dependiendo de la frecuencia del sonido producido.

Adolfo Scholosser: "Auriculares para escuchar el bosque"

Las variaciones de un tema de Haydn, de Pere Jaume (texto) y Josep María Mestres (música notada), siendo no variaciones musicales sino visuales.

Me pareció que la exposición era una auténtica experiencia sensorial, combinando los mundos de la imagen bidimensional y la posibilidad de recorrer instalaciones. Es prácticamente mi primer contacto con el arte sonoro y me pareció interesantísimo, tanto desde el plano de las obras relacionadas con la música como con aquellas en las que es el sonido en sí.

Decimoséptima clase (18/11/2016)

     Tratamos dos elementos básicos para la introducción de nuestra obra artística al mundo del arte: el dossier y el currículum.

     El dossier es un documento que nos sirve para mostrar el resultado de nuestra vida artística o profesional o el desarrollo de una sola obra. Analizamos varios aspectos importantes para este: como su adecuada maquetación, selección del color y la tipografía, el papel, el orden y selección de obras que resulten visualmente atractivas en una reproducción; la importancia de escoger un bien título y extensión, así como aspectos relacionados con la adaptación para su correcta encuadernación y formato. Tratamos también cuáles son los datos del artista y la obra que debe contener y su registro en organismos como la Agencia Española ISBN, el registro de la propiedad o el VEGAB.

     Respecto al currículum, debemos tener en cuenta qué datos debemos intruducir y la forma de redactarlos; tanto del punto de vista académico y profesional.

Conferencia y taller (14/11/2016)

En primer lugar asistimos a una interesante conferencia de la psicologa y psicoanalista Helena Trujillo, titulada "Recursos inconscientes en los procesos creativos". En ella, la ponente trata temas como la creatividad y la relación de esta con el lado inconsciente de nuestro cerebro. Expone que es el inconsciente el que debe crear, por ello en la obra de un artista no importa su biografía, porque esta no interviene con el consciente en el procedo creativo. El arte no habla de lo personal, sino de lo humano, por eso es absolutamente atemporal. 

La segunda parte de la clase se dedicó a un entretenido taller de creatividad a cargo de Lucía Hervas. En este realizamos tareas que fomenten la espontaneidad del proceso creativo, en el que realizamos dibujos en los que no debe importar su técnica ni su calidad estética, sino el hecho de "dejarse levar en una montaña rusa", como ella misma nos explicó. Para ello realizamos dos ejercicios. El primero, un juego del "cadáver exquisito" en el que en grupos de cinco nos intercambiamos dibujos de un minuto que deben ser continuados por el siguiente, produciendo un divertido resultado. El segundo consistió en un diálogo de formas y colores, en el que no se emplea el lenguaje verbal para comunicarse con un compañero.

El resultado en conjunto fue interesante porque me aporta otro punto de vista sobre el desarrollo creativo.

Análisis de un libro de la bibliografía

1. Datos básicos del autor.

     James Gurney es un artista estadounidense nacido en 1958. Su obra se caracteriza por la representación pictórica realista de lugares y personajes fantásticos, así como el dibujo al aire libre. Su obra más conocida es la serie Dinotopia, en la que narra gráficamente historias englobadas en un lugar en el que conviven humanos y dinosaurios. La obra leída "Luz y color" es su libro más reciente. También posee un interesante blog http://gurneyjourney.blogspot.com.es/ , que actualiza a diario con temas referentes al dibujo.

2. Motivo por el que lo has seleccionado.

     A priori me pareció un libro visualmente muy interesante y al leerlo el estudio que el autor realiza de dos aspectos muy relevantes en la pintura como son la luz y el color es muy útil. El color es uno de los temas que más me interesa de la pintura y este libro hace un buen estudio de él en relación con el resto de elementos pictóricos.

3. Resumen.

    El libro comienza con un breve recorrido histórico del color, de como a partir del s XIX, con los nuevos pigmentos, el movimiento plenarista y la invención de la pintura en tubo, se desarrollan diferentes corrientes de representación de la realidad. 

    Después de esto inicia un minucioso análisis sobre todos los parámetros que conforman los diferentes efectos de luz y color y cómo estos se plasman en una obra pictórica. Desde las diferentes fuentes de luz, sus características, radios, como interactúa esta con la forma, produciendo diferentes sombras y sensaciones a tener en cuenta a la hora de trabajar con ellas. 

    A continuación se produce el estudio más detallado del color, desde los diferentes círculos cromáticos, los problemas con determinados tonos de color, la paleta básica y las mezclas, tanto de pigmentos como visuales, y como el color varía dentro de su interacción con otros colores y con nuestra vista.

    Los últimos capítulos tratan los diferentes fenómenos que se producen cuando la luz se refleja en diferentes materiales y texturas, variando las sensaciones y los efectos que produce la naturaleza y la atmósfera sobre la luz solar, como la modifica en diferentes fenómenos, desde la niebla a los arcoíris. 

Will Arrives (2008) James Gurney
Publicado en Dinotopia: Journey to Chandara

4. Capítulos en los que está organizado.

• Introducción
• Capítulo 1: Tradición
• Capítulo 2: Fuentes de luz
• Capítulo 3: Luz y forma
• Capítulo 4: Elementos del color
• Capítulo 5: Pinturas y pigmentos
• Capítulo 6: Relaciones entre colores
• Capítulo 7: Mezclas previas
• Capítulo 8: Percepción visual
• Capítulo 9: Superficies y efectos
• Capítulo 10: Efectos atmosféricos
• Capítulo 11: El espectáculo de las luces cambiantes
• Capítulo 12: Recursos

5. Interpretación personal del libro.

   Es un libro muy útil tener a mano a la hora de usar el color en una obra realista. Da las claves para cualquier condición lumínica o atmosférica y cómo la luz se comporta con diferentes materiales y superficies, lo que la hace una buena guía de consulta para aplicar en la producción propia.

6. Postulados que defiende.

    El autor pretende dividir el libro en capítulos y puntos en los que disecciona las condiciones lumínicas, las sombras, el color y las texturas y efectos, bajo un prisma objetivo de ser aplicados en una técnica húmeda, de pincel, de estilo bien plenarista o realista, técnica y estilos que el autor domina. 

     Con ello propone un análisis y disección de la luz y el color observados en la realidad y cómo plasmarlos de forma fidedigna.

Leeds, N. Y. (2001) James Gurney

7. Puntos fuertes del libro.

    El estudio que realiza es pormenorizado, pero sin ser técnico, lo que lo hace accesible a cualquier tipo de artista, especialmente al relativamente iniciado. Tampoco es una guía en la que se explica cómo realizar las pinturas, es una guía de consulta a partir de la cuál desarrollar una técnica creativa propia.

     Las imágenes son numerosísimas, y dan una plasman visualmente las ideas del texto, siendo todas obras del autor, de diferentes características muchas de ellas.

8. Debilidades.

    Las imágenes, como he citado en el punto anterior, me parecen de una calidad magnífica, pero si tuviera que poner un punto débil a este libro es que prácticamente todas son realizadas con pintura al óleo, la más idónea quizá para el estilo del autor, que busca el realismo, pero quizá me hubiera gustado observar otras técnicas.

9. ¿Qué comentarios hace internet sobre el libro?

    La mayor parte de las críticas y valoraciones en plataformas online como Goodreads, blogs, y las opciones que habilitan los sitios de compra online como Amazon y Casa del Libro, son muy positivas. Se valora con 4 o 5 estrellas y los comentarios lo consideran una gran guía para todo tipo de artistas.

10. ¿Qué te ha aportado?

      Me ha aportado otro punto de vista de la observación del color, que me va a ayudar en mis próximos trabajos. Se une a mi colección de libros de consulta a la hora de desarrollar una obra para ayudarme a plasmar más correctamente  la luz y el color.

Asteroid Miner (1982) - James Gurney

Exposición: "Cantera" en La Tabacalera.

     La exposición muestra las obras de los artistas Julio Álvarez Bautista , Estibaliz Barato, Carlos Calvo, Roberto Freire, Andrea Llop, Alejandro Leonor, Lorena Lorente, Juan Carlos Menchén, Cristina Spinelli, Alba Sanchidrián y José Carlos Vanegas Rivera tras una residencia.

     Me pareció muy interesante la organización del espacio, en el que compartían espacio instalaciones de los artistas, repartiendo diferentes espacios dentro de la sala de exposiciones. El concepto de las obras también era importante y de crítica social.

     Adjunto dos fotografías de dos de las instalaciones que más me ha gustado, sobre todo la primera, que establece una relación entre el aumento de las precipitaciones en Madrid, contenidas en las botellas con zonas del mundo que sufrieron sequía en ese tiempo (mapas sobre el suelo). 

Examen (7-11/11/2016)

Examen consistente en la demostración sobre los contenidos relacionados con el color.

 Este es el resultado en la clase con la cuestionable calidad de la cámara de mi teléfono.

En esta entrada hago un resumen completo del examen.
El examen constaba de :

1. Buscar en una revista doce muestras de color lo más parecidas posible a los seis colores primarios de nuestra paleta básica (rojo cadmio, rojo carmín, amarillo cadmio, amarillo limón, azul cerúleo y azul ultramar) y a los seis colores secundarios obtenidos de las mezclas de los mismos (verde, violeta y naranja, ambos en su mezcla "ideal" y su mezcla "mala".
2. Realizar mezclas de color para obtener una muestra acrílica lo más semejante posible al recorte pegado en el papel.
3. Pintar al lado izquierdo del paso 2 el color complementario a la muestra.
4. Pintar al lado derecho del paso 2 los dos colores adyacentes a la muestra.
5. Ya el viernes, poner un código identificativo pero no reconocible al papel y repartirlos aleatoriamente por la clase.
6. Realizar, en grupos de 5, una evaluación individual de cinco de los trabajos de los compañeros repartidos aleatoriamente.
7. Realizar una evaluación de los mismo por parte de los 5 miembros del grupo.

Decimosexta clase (4/11/2016)

La forma es que lo que separa el cuerpo del fondo. Es cambiante aunque el objeto que la posea sea el mismo, ya que posee la necesidad de adaptarse al medio. Los tipos de formas presentes en la naturaleza más destacadas son:

• Esfera: cierra el volumen en la mínima superficie posible, haciéndolo con gran fuerza. Protege.

• Onda: es la forma natural que mueve y comunica, siendo la más simple para desplazarse dentro de un fluido.

• Ángulo: penetra y concentra la fuerza en su punta. 

Los clavos poseen punta para aprovechar las propiedades del ángulo.

• Hexágono: pavimenta. Cuando se comprime un conjunto de esferas, las caras de estas forman hexágonos. 

• Fractal: intima. La forma de el cuerpo se va repitiendo en todas las partes del mismo en menor tamaño. 

• Parábola. Concentra. Posee gran resistencia, por lo que se emplea en los puentes. 

• Espiral: empaqueta. Crece ocupando el menor espacio.

• Hélice. Agarra. La fuerza que se debe aplicar para descomponer una hélice es directamente proporcional a el número de vueltas.

También realizamos un ejercicio práctico, consistente en la aplicación de la proporción del número phi en el cuerpo humano, basada en los estudios de Vitruvio, un divertido experimento en el que no a todos nos salían las cuentas. 

4 dedos = 1 palma
6 palmas = 1 codo
4 codos = altura total
1 codo = distancia entre el pie y la rodilla = distancia entre rodilla e ingle = distancia entre ingle y        pezones = distancia entre pezones y coronilla
La cara se divide en tres partes iguales, que miden lo mismo que la oreja.
Distancia entre codo y axila = 1/8 de la altura
1 pie = 1/7 de la altura
Ancho de hombros = 1 codo
10 veces la altura de la cara = altura total
La medida entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos en horizontal = altura.

Decimoquinta clase.(31/10/16)

¿Qué es la forma? Aquello que separa al cuerpo del fondo. Pero, ¿de dónde proviene la forma? ¿Qué formas son las que aparecen en la naturaleza? ¿Cuáles son las formas que dan forma (por muy redundante que suene) al universo? 

Para obtener conclusiones de esto, vemos un documental que trata la forma y la proporción en la naturaleza. Las abejas hacen panales hexagonales, las pompas son redondas... ¿Por qué? La naturaleza hace que la materia forme de la manera más simple y eficiente posible. Los panales están compuestos por hexágonos para poder almacenar la mayor cantidad de miel gastando la menor cantidad de cera. La esfera es el cuerpo que contiene mayor capacidad en el menor volumen posible...

Y como artistas, ¿cómo podemos trabajar con la forma? Para ello, realizamos dos pequeños ejercicios: la realización de una forma que no guarde relación con ninguna forma existente y la eliminación de la forma de un objeto del fondo.

Extracción de la forma.

Pruebas de forma

"Forma informe"